La Milano Design Week si conferma, edizione dopo edizione, come un punto di osservazione privilegiato sulle traiettorie del design contemporaneo, dove linguaggi, geografie e discipline diverse si incontrano in una dimensione sempre più ibrida. Tra le presenze rilevanti dell’edizione 2026 si distingue la Corea del Sud, con una costellazione di progetti che attraversano artigianato, tecnologia e ricerca formale.

Kwangho Lee x Bottega Veneta: luce, materia e tradizione

Bottega Veneta rinnova la collaborazione con il designer coreano Kwangho Lee presentando Lightful, un progetto che nasce da oltre tre anni di ricerca condivisa. L’installazione, ospitata nella boutique di via Sant’Andrea, rappresenta un’evoluzione del dialogo tra l’artista e la maison, fondato su una comune attenzione per artigianato, materiali e sperimentazione.

Il lavoro si sviluppa come un ambiente immersivo in cui luce e materia si intrecciano: strutture sospese e intrecci in pelle reinterpretano tecniche tradizionali in chiave contemporanea, trasformando lo spazio in una composizione dinamica e sensoriale. La pratica di Lee, basata sul weaving (intreccio), diventa qui il mezzo per esplorare forma, texture e percezione, in continuità con il savoir-faire artigianale del brand.

Più che una semplice installazione, Lightful è il racconto di un processo creativo condiviso, che unisce cultura materiale, sperimentazione artistica e innovazione progettuale, confermando come il design contemporaneo possa nascere dall’incontro tra tradizione e nuove possibilità espressive.

Heritage Reimagined: il soban reinterpretato

Se Lightful esplora la dimensione sensoriale e materica del design, la mostra Heritage Reimagined all’ADI Design Museum, curata dalla Seoul Design Foundation, affronta il tema della tradizione da una prospettiva sistemica e tecnologica. L’esposizione è dedicata al soban, il tavolino tradizionale coreano legato alla cultura domestica, reinterpretato attraverso strumenti contemporanei come l’intelligenza artificiale e la stampa 3D. Storicamente, il soban era un oggetto individuale: utilizzato per consumare i pasti seduti a terra, rifletteva una dimensione intima e quotidiana della vita coreana, ma anche una raffinata cultura artigianale regionale. Ogni area della Corea sviluppava varianti proprie, distinguibili per forma, proporzioni e tecniche costruttive, spesso realizzate senza l’uso di chiodi e pensate per essere leggere, trasportabili e durevoli.

Il progetto riunisce 17 designer in un esercizio collettivo di rilettura dell’oggetto, che diventa punto di partenza per riflettere sul rapporto tra memoria culturale e innovazione produttiva. Il soban, nella sua forma originaria, era un oggetto funzionale profondamente radicato nella vita quotidiana; nella mostra viene trasformato in un dispositivo concettuale che interroga il modo in cui la tradizione possa essere tradotta in linguaggi contemporanei senza perderne il significato. In questo processo, artigianato e tecnologia non si oppongono, ma si sovrappongono come livelli complementari di una stessa narrazione progettuale.

L’equilibrio come processo: Balance Object di Lee Joo-hyun

All’interno del programma ufficiale della Design Week trova spazio anche il debutto europeo dell’artista Lee Joo-hyun, che presenta la sua prima mostra personale negli ambienti del Boudoir di Palazzo Litta, storico edificio nel centro di Milano, all’interno della programmazione di Mosca Partners. Il progetto, intitolato Balance Object, si sviluppa come una riflessione sul concetto di equilibrio inteso non come stabilità statica, ma come condizione precaria e costantemente negoziata.

Il lavoro di Lee nasce da una dimensione autobiografica legata alla sua esperienza tra Corea e contesti internazionali, segnata da una sensazione di appartenenza sospesa. Questa condizione si traduce in oggetti che si reggono su punti di contatto minimi, generando una tensione visiva che diventa parte integrante dell’opera stessa. L’equilibrio non è quindi un risultato, ma un processo, una strategia di sopravvivenza che si manifesta nella forma e nella relazione con lo spazio.

Le opere esposte si configurano come “usable artworks”, oggetti che possono essere manipolati, spostati e completati dal visitatore. Questa dimensione partecipativa dissolve il confine tra opera e prodotto, trasformando l’esperienza in un atto attivo di costruzione percettiva. Accanto alla serie principale, la mostra include la Caltrop Series e la Yeom Series, che approfondiscono ulteriormente il tema della tensione tra materiali, forme e gravità.

La Caltrop Series prende ispirazione dall’antico strumento bellico a punte, reinterpretato in oggetti metallici sottili che sfidano la stabilità attraverso equilibri minimi e costruzioni apparentemente instabili. Ogni pezzo richiede lunghe ore di lavorazione manuale, in un processo che rende visibile il tempo come parte integrante dell’opera. La Yeom Series, invece, prende il nome da un termine coreano che indica una piccola isola rocciosa e traduce questa immagine in oggetti che combinano pietra naturale e strutture metalliche, evocando paesaggi sospesi tra natura e artificio.

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